Moulin Rouge

Moulin Rouge! is a 2001 musical film directed by Baz Luhrmann, based largely on the Giuseppe Verdi opera La Traviata. It tells the story of a young British poet/writer, Christian (Ewan McGregor), who falls in love with the star of the Moulin Rouge, cabaret actress and courtesan Satine (Nicole Kidman). It uses the musical setting of the Montmartre Quarter of Paris, France. The film was nominated for eight Oscars, including Best Picture, and won two: for art direction and costume design. It was shot at Fox Studios in Sydney, Australia.

In 2006, Moulin Rouge! ranked twenty-fifth on the American Film Institute's list of best musicals.

Los Miserables

Los Miserables (título original en francés: Les Misérables) es una de las novelas más conocidas del siglo XIX. Publicada en el año 1862, esta obra romántica fue escrita por el novelista francés Victor Hugo. La novela transcurre en Francia, en ambientes rurales y capitalinos. Narra las vidas y las relaciones de varios personajes durante un periodo de veinte años, a principios del siglo XIX, en los cuales transcurren las Guerras Napoleónicas. Principalmente se centra en los esfuerzos del protagonista, el ex-presidiario Jean Valjean, por redimirse, pero también analiza el impacto de las acciones de Valjean a través de reflexiones sobre la sociedad. La obra razona sobre la naturaleza del bien, el mal, la ley a través de una historia que abarca y expone la Historia de Francia, la arquitectura de París, la política, la ética, la justicia, la religión, la sociedad y las clases y la naturaleza del amor romántico y familiar. Victor Hugo se inspiró en Eugène François Vidocq, delincuente que acabó siendo policía y creador de la Sûreté Nationale francesa, para la creación de los dos personajes principales de la novela. Los miserables es muy conocida por sus numerosas adaptaciones para la pantalla y el teatro, de las cuales, la más famosa es el musical para teatro del mismo nombre.
Se trata de una novela que permite al lector acercarse a la historia de la Francia contemporánea a Victor Hugo, incluyendo directa o indirectamente varias partes de ésta, como la Revolución Francesa de 1789 (y sus etapas propias: el Terror, el Directorio, el golpe de Brumario), el imperio Napoleónico, la Restauración con Luis XVIII y Carlos X y la Revolución de Julio que transfirió el poder a Luis Felipe de Orleans. Cabe destacar igualmente su análisis de instrumentos, acontecimientos y estereotipos de los sucesos históricos mencionados, así como de antiguos dirigentes de la Convención, los emigrados e incluso de la guillotina. Víctor Hugo mantuvo a lo largo de toda su vida, también en Los miserables, una firme oposición a la pena de muerte y la obra es considerada como una defensa de los oprimidos en cualquier tiempo y lugar

Octavio Paz

Octavio Paz Lozano nació en la Ciudad de México el 31 de marzo de 1914, en medio de la Revolución Mexicana. Criado en Mixcóac, una población cercana (y que ahora forma parte de la Ciudad de México) por su madre, Josefina Lozano, una mujer religiosa, así como por una tía y su abuelo paterno, Ireneo Paz, un soldado retirado de las fuerzas de Porfirio Díaz, intelectual liberal y novelista. Su padre, también llamado Octavio Paz, trabajó como escribano y abogado para Emiliano Zapata; estuvo involucrado en la reforma agraria que siguió a la revolución, y colaboró activamente en el movimiento vasconcelista. Todas estas actividades provocaron que el padre se ausentara de casa durante largos periodos.

Paz fue influenciado desde pequeño por la literatura a través de su abuelo, quien estaba familiarizado tanto con la literatura clásica como con el modernismo mexicano. Durante la década de 1920-1930 descubrió a los poetas europeos Gerardo Diego, Juan Ramón Jiménez y Antonio Machado, que también influenciaron sus escritos más tempranos. Publicó su primer poema ya como adolescente en 1931, con el nombre mar de dia, al cual le añadió un epígrafe del poeta francés Saint-John Perse. Dos años después, a la edad de 19, Paz publicó Luna Silvestre, una colección de poemas. Hacia 1937, Paz ya era considerado el poeta más joven y prometedor de la capital mexicana.

En 1937 terminó sus estudios universitarios y viajó a Yucatán en busca de trabajo en una escuela cercana a Mérida. Ahí comenzó a trabajar en su poema Entre la piedra y la flor (1941, revisado en 1976), el cual describe la situación cultural y el quebranto de la fe del campesino mexicano como resultado de una sociedad capitalista.

En 1937, Paz visita España durante la Guerra Civil Española, mostrando su solidaridad con los Republicanos, cuya ideología política influyó en su obra juvenil, otorgándole una visión preocupada, incluso angustiada, respecto a las condiciones de vida que se daban en su país natal y en España. A su regreso en México, participa como cofundador en una revista literaria llamada Taller en 1938, y escribe en ella hasta 1941. En 1943 recibe la Beca Guggenheim y comienza sus estudios en la Universidad de California, Berkeley en los Estados Unidos de América, y dos años después comienza a servir como diplomático Mexicano, trabajando en Francia hasta 1962. Durante esa estancia, en 1950, escribe y publica El laberinto de la soledad, un innovador estudio antropológico de los pensamientos y la identidad Mexicana.

En 1985 recibe el Premio Internacional Alfonso Reyes. En 1987 le es otorgado el I Premio Internacional Menéndez Pelayo. En 1990 recibió el Premio Nobel de Literatura.

Experimentación e inconformismo pueden ser dos de las palabras que mejor definen su labor poética, pero es un poeta difícil de encasillar. Ninguna de las etiquetas adjudicadas por los críticos encaja con su poesía: poeta neomodernista en sus comienzos; más tarde, poeta existencial; y, en ocasiones, poeta con tintes de surrealismo. Ninguna etiqueta le cuadra y ninguna le sobra. En realidad, se trata de un poeta que no echó raíces en ningún movimiento porque siempre estuvo alerta ante los cambios que se iban produciendo en el campo de la poesía y siempre estuvo experimentando, de modo que su poesía acabó por convertirse en una manifestación muy personal y original. Además, se trata de un poeta de gran lirismo cuyos versos contienen imágenes de gran belleza. Después de la preocupación social, presente en sus primeros libros, pasó a tratar temas de raíz existencial, como la soledad y la incomunicación. Una de las obsesiones más frecuentes en sus poemas es el deseo de huir del tiempo, lo que lo llevó a la creación de una poesía espacial cuyos poemas fueron bautizados por el propio autor con el nombre de topoemas (de topos + poema). Esto es lo que significa poesía espacial: poesía opuesta a la típica poesía temporal y discursiva. Se trata de una poesía intelectual y minoritaria, casi metafísica en la que además de signos lingüísticos se incluyen signos visuales. En los topoemas, igual que ocurría en la poesía de los movimientos de vanguardia, se le da importancia al poder sugerente y expresivo de las imágenes plásticas. No cabe duda de que en la última poesía de Octavio Paz hay bastante esoterismo, pero, al margen de ello, toda su poesía anterior destaca por su lirismo y por el sentido mágico que el autor da a las palabras.

El 19 de Abril de 1998 Octavio Paz murió en su ciudad natal que fue la Ciudad de México.

Stonehenge

Stonehenge is a prehistoric monument located in the English county of Wiltshire, about 3.2 kilometres (2.0 mi) west of Amesbury and 13 kilometres (8.1 mi) north of Salisbury. One of the most famous prehistoric sites in the world, Stonehenge is composed of earthworks surrounding a circular setting of large standing stones. Archaeologists had believed that the iconic stone monument was erected around 2500 BC, as described in the chronology below. However one recent theory has suggested that the first stones were not erected until 2400-2200 BC, whilst another suggests that bluestones may have been erected at the site as early as 3000 BC (see phase 1 below). The surrounding circular earth bank and ditch, which constitute the earliest phase of the monument, have been dated to about 3100 BC. The site and its surroundings were added to the UNESCO's list of World Heritage Sites in 1986 in a co-listing with Avebury henge monument, and it is also a legally protected Scheduled Ancient Monument. Stonehenge itself is owned by the Crown and managed by English Heritage while the surrounding land is owned by the National Trust.

New archaeological evidence found by the Stonehenge Riverside Project indicates that Stonehenge served as a burial ground from its earliest beginnings. The dating of cremated remains found that burials took place as early as 3000 B.C, when the first ditches were being built around the monument. Burials continued at Stonehenge for at least another 500 years when the giant stones which mark the landmark were put up. According to Professor Mike Parker Pearson, head of Stonehenge Riverside Project:

“ Stonehenge was a place of burial from its beginning to its zenith in the mid third millennium B.C. The cremation burial dating to Stonehenge's sarsen stones phase is likely just one of many from this later period of the monument's use and demonstrates that it was still very much a domain of the dead.

Gran pirámide de Giza

La Gran pirámide de Giza, la más antigua y la única que aún perdura de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo y la mayor de las pirámides, sirvió como tumba o cenotafio al faraón de la cuarta dinastía del antiguo Egipto, Jufu (también conocido por su nombre griego Keops). El arquitecto de la obra fue Hemiunu, un pariente de Jufu.

La fecha estimada de terminación de la Gran Pirámide es c. 2570 a. C. y fue la primera y mayor de las tres grandes pirámides de la Necrópolis de Giza en las afueras de El Cairo en Egipto, y el edificio más alto del mundo hasta bien entrado el siglo XIX, siendo entonces superada sólo por las agujas de la Catedral de Colonia (157 m, construida entre 1248 y 1880), el Monumento Washington (170 m, terminado en 1884) y la Torre Eiffel (300 m, erigida en 1889). Aún hoy es el mayor edificio construido en piedra.

Ópera de Sídney

La Ópera de Sídney o Casa de la Ópera de Sídney, situada en la ciudad de Sídney, estado de Nueva Gales del Sur, Australia, es uno de los edificios más famosos y distintivos del siglo XX. Declarado en 2007 Patrimonio de la Humanidad, fue diseñado por el arquitecto danés Jørn Utzon en 1957 e inaugurado en 1973. En el edificio se realizan obras de teatro, ballet, ópera o producciones musicales. Es sede de la compañía Ópera Australia, la Compañía de Teatro de Sídney y la Orquesta Sinfónica de Sídney. Está administrada por la Opera House Trust, un organismo público bajo supervisión del ministerio de arte de Nueva Gales del Sur.

La Estatua de la Libertad

«La libertad iluminando el mundo» (Liberty Enlightening the World), conocida como la Estatua de la Libertad (Statue of Liberty en inglés, Statue de la Liberté en francés), es uno de los monumentos más famosos de Nueva York, de los Estados Unidos y de todo el mundo. Se encuentra en la isla de la Libertad al sur de la isla de Manhattan, junto a la desembocadura del río Hudson y cerca de la isla Ellis. La Estatua de la Libertad fue un regalo de los franceses a los estadounidenses en 1886 para conmemorar el centenario de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos y como un signo de amistad entre las dos naciones. Fue inaugurada el 28 de octubre de 1886 en presencia del presidente estadounidense de la época, Grover Cleveland. La estatua es obra del escultor francés Frédéric Auguste Bartholdi y la estructura interna fue diseñada por el ingeniero Gustave Eiffel. El arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc, estuvo encargado de la elección de los cobres utilizados para la construcción de la estatua. Desde el 15 de octubre de 1924, la estatua forma parte de los lugares históricos nacionales de Estados Unidos y desde 1984 está considerada Patrimonio de la Humanidad, según la Unesco.

La Estatua de la Libertad, además de ser un monumento importante en la ciudad de Nueva York, se convirtió en un símbolo en Estados Unidos y representa, en un plano más general, la libertad y emancipación con respecto a la opresión. Desde su inauguración en 1886, la estatua fue la primera visión que tenían los inmigrantes europeos al llegar a Estados Unidos tras su travesía por el océano Atlántico. En términos arquitectónicos, la estatua recuerda al famoso Coloso de Rodas, una de las «siete maravillas del mundo». Fue nominada para las «nuevas maravillas del mundo», donde resultó finalista. El nombre asignado por la Unesco es «Monumento Nacional Estatua de la Libertad». Desde el 10 de junio de 1933 se encarga de su administración el Servicio de Parques Nacionales de los Estados Unidos.

La Alhambra

La Alhambra es una ciudad palatina andalusí situada en Granada (España). Se trata de un rico complejo palaciego y fortaleza (alcazar o al-Ksar) que alojaba al monarca y a la corte del Reino de Granada nazarí. Su verdadero atractivo, como en otras obras musulmanas de la época, son los interiores, cuya decoración está entre las cumbres del arte islámico.

Taj Mahal

El Taj Mahal (hindi : ताज महल, urdu : تاج محل; pronunciado /tɑʒ mə'hɑl/) es un complejo de edificios construido entre 1631 y 1654 en la ciudad de Agra, estado de Uttar Pradesh, India, a orillas del río Yamuna, por el emperador musulmán Sha Jahan de la dinastía mogol. El imponente conjunto se erigió en honor de su esposa favorita, Arjumand Bano Begum — más conocida como Mumtaz Mahal — quien murió dando a luz a su 14º hijo, y se estima que la construcción demandó el esfuerzo de unos 20.000 obreros.

El Taj Mahal es considerado el más bello ejemplo de arquitectura mogola, estilo que combina elementos de la arquitectura islámica, persa, india e incluso turca. El monumento ha logrado especial notoriedad por el carácter romántico de su inspiración. Aunque el mausoleo cubierto por la cúpula de mármol blanco es la parte más conocida, el Taj Mahal es un conjunto de edificios integrados.

Actualmente es un importante destino turístico de la India. En 1983, fue reconocido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad. El Taj Mahal fue nombrado una de las Siete Maravillas del Mundo Moderno.

Acrópolis de Atenas

La Acrópolis de Atenas puede considerarse la más representativa de las acrópolis griegas. La acrópolis era, literalmente, la ciudad alta y estaba presente en la mayoría de las ciudades griegas, con una doble función: defensiva y como sede de los principales lugares de culto. La de Atenas está situada sobre una cima, que se alza 156 metros sobre el nivel de mar. También es conocida como Cecropia en honor del legendario hombre-serpiente, Cécrope, el primer rey ateniense.

La entrada a la Acrópolis se realiza por una gran puerta llamada los Propileos. A su lado derecho y frontal se encuentra el Templo de Atenea Niké. Una gran estátua de bronce de Atenea realizada por Fidias, se encontraba originariamente en el centro. A la derecha de donde se erigía esta escultura se encuentra el Partenón o Templo de Atenea Partenos (la Virgen). A la izquierda y al final de la Acrópolis hay el Erecteión, con su célebre stoa o tribuna sostenida por seis cariátides. También se encuentran los restos de un teatro al aire libre llamado Teatro de Dioniso, donde estrenaron sus comedias Sófocles, Aristófanes y Esquilo.

Coliseo Romano

El Coliseo (Colosseum en latín), originalmente denominado Anfiteatro Flavio (Amphitheatrum Flavium), es un gran edificio situado en el centro de la ciudad de Roma. En la antigüedad poseía un aforo para 50000 espectadores, con ochenta filas de gradas. Los que estaban cerca de la arena eran el Emperador y los senadores, y a medida que se ascendía se situaban los estratos inferiores de la sociedad. En el Coliseo tenían lugar luchas de gladiadores y espectáculos públicos. Se construyó justo al Este del Foro Romano, y las obras empezaron entre el 70 d. C. y el 72 d.C, bajo mandato del emperador Vespasiano. El anfiteatro, que era el más grande jamás construido en el Imperio Romano, se completó en el 80 d. C. por el emperador Tito, y fue modificado durante el reinado de Domiciano.

El Coliseo se usó durante casi 500 años, celebrándose los últimos juegos de la historia en el siglo VI, bastante más tarde de la tradicional fecha de la caída del Imperio Romano de Occidente en el 476 d. C. Así como las peleas de gladiadores, muchos otros espectáculos públicos tenían lugar aquí, como naumaquias, caza de animales, ejecuciones, recreaciones de famosas batallas, y obras de teatro basadas en la mitología clásica. El edificio dejó de ser usado para estos propósitos en la Alta Edad Media. Más tarde, fue reutilizado como refugio, fábrica, sede de una orden religiosa, fortaleza, cantera y santuario cristiano.

Aunque la estructura está seriamente dañada debido a los terremotos y los picapedreros, el Coliseo siempre ha sido visto como un icono de la Roma Imperial y es uno de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura romana. Es una de las atracciones turísticas más populares de la moderna Roma y aún está muy ligado a la Iglesia Católica Romana, por lo que el Papa encabeza el viacrucis hasta el anfiteatro cada Viernes Santo.

Torre Eiffel

La Torre Eiffel (Tour Eiffel, en francés), inicialmente nombrada torre de 330 metros (tour de 330 mètres), es una estructura de hierro pudelado diseñada por el ingeniero francés Gustave Eiffel y sus colaboradores para la Exposición universal de 1889 en París.

Situada en el extremo del Campo de Marte a la orilla del río Sena, este monumento parisiense, símbolo de Francia y su capital, fue el noveno lugar más visitado del país en 2006 y el primer monumento más visitado del mundo con 6.893.000 de visitantes en 2007. Con una altura de 300 metros, prolongada más tarde con una antena a 325 metros, la Torre Eiffel fue el edificio más elevado del mundo durante más de 40 años.

Fue construida en dos años, dos meses y cinco días en controversia con los artistas de la época, que la veían como un monstruo de hierro. Inicialmente utilizada para experimentos científicos, hoy sirve, además de atractivo turístico, como emisora de programas radiofónicos y televisivos.

Chichén Itzá

Chichén Itzá es uno de los principales sitios arqueológicos vestigio de una de las civilizaciones prehispánicas más importantes: la cultura maya. Aunque al pertenecer a la época de declive de la misma no se puede considerar como uno de sus máximos exponentes (por ejemplo no hay muestras de escritura maya en Chichén Itzá y la arquitectura es más propia del valle de México que de la cultura maya). Se localiza en Yucatán, México. Su nombre deriva de las palabras mayas: Chi (Boca), Chen (Pozo) e Itzá (itzáes significa brujos de agua), al unir las palabras se obtiene la boca del pozo de los Itzá. "En la orilla del Pozo de los brujos de agua"[1] o bien Chichén Itzá Huasteco Ch'iich'en (en estado/apariencia de pájaro), Huasteco Itzam' (Serpiente) Serpiente Emplumada[2] es el nombre del que fue uno de los principales asentamientos de los mayas durante el período Posclásico en la Península de Yucatán. Se localiza al sureste de Mérida, capital del estado mexicano de Yucatán.

El yacimiento arqueológico de Chichén Itzá es patrimonio de la nación mexicana y propiedad de la Federación. El mantenimiento de los monumentos y la administración de la zona son facultad del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). A pesar de ello, los terrenos que ocupa la zona arqueológica son propiedad privada, como muchos de los monumentos considerados patrimonio nacional en México.[3] El Templo de los Guerreros, El Observatorio, El Cenote Sagrado, El Juego de Pelota, son sólo parte de la grandeza de esta civilización y antigua metrópoli Maya.

La zona arqueológica de Chichén Itzá fue inscrita en la lista del Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1988. El 7 de julio de 2007, fue reconocida como una de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo, por una iniciativa privada sin el apoyo de la UNESCO, pero con el reconocimiento de millones de votantes alrededor del mundo.

Frida Kahlo

(Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida. A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.

Diego Rivera

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (Guanajuato; 8 de diciembre de 1886 — México, D. F.; 24 de noviembre de 1957) fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Es creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y Nueva York.

Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606 – † Amsterdam, 4 de octubre de 1669) está considerado uno de los más grandes pintores en la historia del arte europeo, y el más importante en la historia de Holanda.

Rembrandt fue además un grabador experto, y publicó muchos dibujos. Sus contribuciones al arte tuvieron lugar en un período que los historiadores llaman la Edad de Oro holandesa, que corresponde aproximadamente al siglo XVII. En esa época, la cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política de Holanda alcanzaron su punto máximo.

Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 – Ídem, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor italiano de la escuela de Florencia durante el Renacimiento, en la segunda mitad del Quattrocento. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médicis fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperado a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, de las obras maestras florentinas más conocidas.

Miguel Angel

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (*Caprese, 6 de marzo de 1475 – †Roma, 18 de febrero de 1564), también conocido en castellano como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los más grandes artistas de la historia. Miguel Ángel (llamado Michelangelo), fue uno de los artistas más reconocidos por sus esculturas, pinturas y arquitectura.

Leonardo da Vinci

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Castillo de Clos-Lucé Francia, 2 de mayo de 1519) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico, ingeniero y el hombre del Renacimiento por excelencia. Está ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá, la persona con más y más variados talentos de la historia.

Van Gogh

Vincent Willem van Gogh (30 March 1853 – 29 July 1890) was a Dutch Post-Impressionist artist. His paintings and drawings include some of the world's best known, most popular and most expensive pieces.

Van Gogh spent his early adult life working for a firm of art dealers. After a brief spell as a teacher, he became a missionary worker in a very poor mining region. He did not embark upon a career as an artist until 1880. Initially, Van Gogh worked only with sombre colours, until he encountered Impressionism and Neo-Impressionism in Paris. He incorporated their brighter colours and style of painting into a uniquely recognizable style, which was fully developed during the time he spent at Arles, France. He produced more than 2,000 works, including around 900 paintings and 1,100 drawings and sketches, during the last ten years of his life. Most of his best-known works were produced in the final two years of his life, during which time he cut off part of his left ear following a breakdown in his friendship with Paul Gauguin. After this he suffered recurrent bouts of mental illness, which led to his suicide.

The central figure in Van Gogh's life was his brother Theo, who continually and selflessly provided financial support. Their lifelong friendship is documented in numerous letters they exchanged from August 1872 onwards. Van Gogh is a pioneer of what came to be known as Expressionism. He had an enormous influence on 20th century art, especially on the Fauves and German Expressionists.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso fue un pintor y escultor español. (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins (Francia), 8 de abril de 1973). Uno de los principales artistas del siglo XX. Fundó, con Georges Braque y Juan Gris, el movimiento cubista.

Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Participó y estuvo en la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron en todo el mundo y ejerció de ese modo una gran influencia en muchos otros grandes artistas de su tiempo. Incansablemente prolífico, pintó más de 2000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo.

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida.

A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.

Picasso
Políticamente, Picasso se declaraba pacifista y comunista, fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.

Falleció el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años de edad y está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Obispado

Durante el reinado de Carlos III y mediante una Bula expedida por el Papa Pío VI, en el año de 1777 quedó erigido el Obispado de Linares, con capital en la población del mismo nombre.

Por recomendación del Rey, el Papa nombra Obispo de la Diósesis a Fray Antonio de Jesús Sacedón, quien recibe su cargo en el año de 1779 mediante un apoderado, que toma posesión del Obispado con todos los ritos. Fray Antonio de Jesús Sacedón muere antes de llegar a Linares, y como sucesor, el Papa nombra a Fray Rafael José de Verger.

Apenas recibiendo su nombramiento, Fray Rafael José de Verger solicita al monarca, trasladar la capital del Obispado a Monterrey, única población digna de ella.

En 1787, Fray Rafael José de Verger solicita al Ayuntamiento se le diera en merced la loma de Vera para construir en ella una casa de descanso. El Ayuntamiento accede a la petición, iniciando éste de inmediato, la construcción del Palacio Episcopal, que hoy constituye la mejor y única reliquia arquitectonica de la epoca colonial que existe en Monterrey.

Durante la invasión americana en 1846, el Obispado se convirtió en una de las fortalezas más importantes. En este sitio se llevó a cabo, el 23 de Septiembre, la batalla contra las tropas del Gral. Worth.

A partir del 20 de Septiembre de 1956, se convierte en el Museo Regional de Nuevo León.

Catedral de Monterrey

Uno de los proyectos más importantes que inició Don Andrés Ambrosio de Llanos y Valdez, tercer Obispo del Obispado de Linares a partir de 1792, fué la edificación de la Catedral del Obispado, la cual comenzó a levantarse en las manzanas comprendidas entre las calles hoy denominadas Colegio Civil, Galeana, Gral. Tapia y Gral. Treviño.

El Obispo deseaba fijar el centro de la población en esa área, por las facilidades que el terreno presentaba para una ciudad mejor acondicionada, sin embargo sus deseos no llegaron a cumplirse debido a problemas con el Cabildo del Ayuntamiento y la negativa de los vecinos de Monterrey a cumplir sus ofrecimientos de edificar sus casas en éste rumbo, con lo cual casi en sus principios se suspendió la construcción de la Catedral.

La obra se fue destruyendo con el tiempo, después de haber servido como fortín en varias guerras.

Por iniciativa del Lic. Santiago Roel, en 1940 se construyó por el Ayuntamiento de Monterrey, un jardín conmemorativo (con frente a la calle Juárez), abarcando los restos de un muro que aún se conserva en el lugar.

En la actualidad, y desde 1833, sirve como Catedral de este Obispado la que a mediados del siglo XVII fuera primera parroquia de Monterrey.

Esta iglesia comenzó a construirse en 1626, pero no fué sino hasta 165 años después que se concluyó, siendo consagrada en 1833 por el Obispo Belauzarán.

El reloj actual fué instalado en 1904, sustituyendo al fabricado en 1786, en México, por Don Antonio Velazquez y que estuviera en el mismo lugar desde 1817.

La torre mayor fué iniciada en 1891 y concluida en 1899, durante el gobierno eclesiástico del Obispo López.

Dentro de la iglesia se encuentran algunos cuadros considerados valiosos, así como frescos que fueron restaurados por el prestigiado pintor Angel Zárraga.

Colegio Civil

El Colegio Civil es la cuna de la Máxima Casa de Estudios en Nuevo León; La Universidad Autónoma de Nuevo León. Este espacio fue creado hace 150 años por Raúl Rangel Frías

Antecedentes de la educación superior 1701- 1800

Con el descubrimiento de América 1492 se inició también la evangelización de los naturales de nuevo mundo. A partir del siglo XVI junto con los colonizadores españoles llegaron frailes franciscanos, dominicanos y Agustinos a dirigir la enseñanza, utilizando imágenes, pintura, catecismos con dibujos en lugar de palabras, danza, teatro y música, además de enseñar las artes y oficios y fundar colegios e internados para indígenas.

En 1585 el III concilio mexicano prohibió que los indígenas se ordenará como sacerdotes, por lo que muchos de ellos les fue imposible realizar estudios avanzados. Sin embargo, algunos llegaron a la universidad de México para estudiar filosofía, gramática latina, derecho y medicina, ya que esa institución, fundada en 1551 estaba reservada para españoles e indígenas nobles.

Al consumar su independencia la orientación de educación superior cambio. En algunas regiones del país se crearon los institutos científicos y literarios cuya mayor aportación fue la creación de nuevas carreras y la enseñanza de ciertas bacterias, temáticas, física, química, cirugía, mineralogía, dibujos y bellas artes, que constituyeron la base para otorgar títulos profesionales ser agrimensor o topógrafo, facultativo en mina o ingeniero.

Museo de Historia Mexicana de Monterrey

El Museo de Historia Mexicana de la Ciudad de Monterrey es un museo dedicado a la historia de Mexico localizado en el centro de la ciudad justo en donde empieza el Paseo Santa Lucia. Cuenta con una sala de exposicion permanente y una sala de exposiciones temporales, adicionalmente tiene biblioteca, sala de exposiciones audiovisuales, libreria, cafeteria y tienda.

La Sala de Exposiciones Temporales se encuentra ubicada en el primer piso en ambos costados de las escaleras centrales y detras de las escaleras se ubica la sala de audiovisuales.

La Sala de Exposicion Permanente se encuentra ubicada en todo le segundo piso y se divide en cinco salas:

La primera sala muestra desde como se poblo nuestro continente americano entelazandose con los horizontes prehispanicos de la historia mexicana: Preclasico, Clasico y Postclasico, asi como una breve resena de las principales culturas de cada horizonte y acaba con el descubrimiento de America y la conquista Espanola.
La segunda Sala esta dedicada al Virreinato y la vida durante la Colonia Espanola y hasta la independencia de Mexico. Hace enfasis en la evangelizacion, las ordenes religiosas y la propagacion de la fe cristiana tambien muestra el comercio y formacion de ciudades del norte.
La tercera sala es el Mexico del Siglo XIX, que presenta la formacion de la nacion desde la lucha de independencia hasta su consolidacion como tal. Muestra tambien los esfuerzos por la reconstruccion economica que acontecio y el crecimiento hasta la revolucion Mexicana y como se define la identidad actual del mexicano.
La cuarta sala es el Mexico Moderno, expone todos los acontecimientos resultantes de la revolucion y que forjaron al Mexico actual. Hace enfasis en la industria de la region y la transformacion urbana progresista que es latente en el norte del pais.
La quinta sala muestra como un espacio dedicado a la naturaleza y la madre tierra. Muestra la riqueza biologica y diversidad de los ecosistemas de Mexico. Esta muy bien disenada y balanceada de acuerdo al territorio nacional.

Marco

El Museo de Arte Contemporáneo, también conocido por su acrónimo MARCO, está ubicado en la ciudad de Monterrey N.L México, es obra del arquitecto mexicano Ricardo Legorreta, fue inaugurado el 28 de junio de 1991 su principal prioridad es la de difundir el arte de México, Latinoamérica y el mundo. El museo está ubicado en el centro de Monterrey, destacando dentro del complejo urbanístico de la Macroplaza, en las calles Zuazua y Ocampo.
La colección permanente del museo, compuesta principalmente de pintura latinoamericana contemporánea, no es muy extensa. Sin embargo, sus exposiciones temporales son de muy alto nivel. En sus salas se han presentado exposiciones individuales de pintores, escultores y arquitectos mexicanos como Manuel Álvarez Bravo, Hermenegildo Bustos, Julio Galán, Matias Goeritz, Teodoro González de León, Enrique Guzmán, Ricardo Legorreta, Ricardo Mazal, Miriam Medrez, Armando Salas Portugal, Rodolfo Morales y Alberto Vargas. Entre los artistas extranjeros que han sido expuestos en MARCo se encuentran el catalán Joan Brossa, el norteamericano Jenny Holzer, la cubana Ana Mendieta, el inglés Henry Moore y el japonés Isamu Noguchi.

Otras exposiciones que destacan en la historia del MARCO son "Grandes Maestros Mexicanos," "Hechizo de Oaxaca," y "México, Esplendores de Treinta Siglos."

El museo cuenta todo el año con programas, actividades y eventos especiales para sensibilizar a la comunidad regiomontana hacia diversas manifestaciones artísticas.

Museo Glenbow

The Glenbow Museum in Calgary is Western Canada's largest museum, with over 93,000 square feet (8,600 m²) of exhibition space in more than 20 galleries, showcasing a selection of the Glenbow's collection of over a million objects.

The Glenbow-Alberta Institute was formed in 1966, when Eric Harvie donated his vast historical collection to the people of Alberta. Located in downtown Calgary across from the Calgary Tower, the Institute maintains the Glenbow Museum, open to the public, which houses not only its museum collections, but also a very extensive art collection, library, and archives. In 2007, a new permanent exhibit entitled "Mavericks" opened on the third floor; this exhibit traces the history of Alberta through a series of 48 influential and colourful personalities. The Glenbow Museum's CEO, Jeff Spalding, took over from Glenbow's former President and CEO Mike Robinson.

Museo Picasso

The Museu Picasso (English: Picasso Museum) in Barcelona, Spain, has one of the most extensive collections of artworks by the 20th century Spanish artist Pablo Picasso. This is one of the most popular and most visited museums in Barcelona. The museum is housed in five adjoining medieval palaces in Barcelona's Barri Gotic.

The original idea for the museum came from Picasso’s lifelong friend, Jamie Sabartés. Picasso had given Sabartés great many paintings, drawings and prints during the course of their friendship. Originally Sabartés had planned to set up a museum based on his collection in Málaga, Picasso’s birthplace. It was Picasso himself who suggested that Barcelona would be more appropriate, given his long standing connections with the city.

The museum first opened in 1963 and the original collection was made up of Sabartés donation (574 works), the items that Picasso had previously given to the city of Barcelona, those that had previously been in the possession of the city’s museum of modern art plus other gifts from Picasso’s friends and collectors.

After Sabartés death in 1968, Picasso himself donated a large number of items to the museum, including approximately 1000 items of his early work which his family had been keeping for him ever since the time he first settled in France. This included school books, academic pieces and paintings from Picasso's Blue Period. There are now more than 3,500 works making up the permanent collection of the museum.

Picasso arrived in the city in 1894, when his father, an art teacher, had found work teaching in the city art school. Highlights of the collection include two of his first major works, The First Communion (1896), and Science and Charity (1897). In particular, the Museu Picasso reveals Picasso's relationship with the city of Barcelona, a relationship that was shaped in his youth and adolescence, and continued until his death.

Palazzo Pitti

El Palazzo Pitti es un gigantesco palacio renacentista en Florencia, Italia. Está situado en la ribera sur del Arno, a muy corta distancia del Ponte Vecchio. El aspecto del actual palacio data de 1458 y era originalmente la residencia urbana de Luca Pitti, un banquero florentino. Fue comprado por la familia Médicis en 1539 como residencia oficial de los Grandes Duques de la Toscana.

En el siglo XIX, el palacio fue usado como base militar por Napoleón I, y luego sirvió, durante un corto periodo de tiempo, como residencia oficial de los Reyes de Italia. A principios del siglo XX, el palazzo junto con su contenido fue donado al pueblo italiano por Víctor Manuel III; por lo que se abrieron sus puertas al público y se convirtió en una de las más grandes galerías de arte de Florencia. Hoy en día, sigue siendo un museo público, pero se han ampliado las colecciones iniciales.

Fuerte de San Diego

El Fuerte de San Diego es el monumento histórico más relevante del puerto de Acapulco, Guerrero y la fortaleza marítima más importante a todo lo largo del Océano Pacífico. Forma parte esencial de la fisonomía e historia del puerto destacando por su singular traza geométrica en forma de una tortuga.

Este importante inmueble alberga desde 1986 a el Museo Histórico de Acapulco, bajo la administración del Instituto Nacional de Antropología e Historia, que comprende 13 salas de exhibición a través de las cuales el museo pretende identificar a los habitantes del estado de Guerrero con los momentos más importantes de su historia y fomentar mas la cultura.

Galería de la Academia

La Galería de la Academia (Galleria dell'Accademia) es de uno de los museos básicos de Florencia, dedicado a escultura y pintura. Se encuentra en la Via Ricasoli, 60, cerca del Convento de San Marcos.
Su obra más destacada es la de Miguel Ángel, en concreto el David (1504).

Palazzo Ducale

El Palazzo Ducale ('Palacio Ducal'), situado en el extremo oriental de la Plaza de San Marcos, es uno de los símbolos de la gloria y el poder de Venecia. Edificio de estilo gótico, sus dos fachadas más visibles miran hacia la laguna de Venecia y la plaza de San Marcos. El palacio fue residencia de los dux, sede del gobierno y de la corte de justicia y prisión de la República de Venecia.

Museo Británico de Londres

El Museo Británico de Londres es el mayor museo del Reino Unido, y uno de los mayores y más famosos museos de antigüedades de todo el mundo. Desde su apertura, el 15 de enero de 1759, solamente cerró sus puertas por motivo de las dos guerras mundiales, y ha pasado de tener 5000 visitantes al año, a más de 5 millones, convirtiéndose en uno de los museos más visitados del mundo.

Es uno de los museos más antiguos del mundo y contiene más de siete millones de objetos de todos los continentes, muchos de los cuales se encuentran almacenados para su estudio y restauración, o simplemente guardados por falta de espacio. También cuenta, entre otras cosas, con la mayor sala de lectura de la Biblioteca Británica, biblioteca que aunque ahora tiene sede propia, hasta el año 1973 también formaba parte del museo, al igual que el Museo de Historia Natural de Londres, que cambió a sede propia en el año 1963.
Contiene una de las colecciones más importantes del mundo. Su sección de Egipto Antiguo es la más importante del planeta después de la del Museo Egipcio de El Cairo, y la entrada al museo y a muchos de los servicios que ofrece, como el de su sala de lectura, es libre y gratuita, a excepción de algunas exposiciones temporales

Skansen

Skansen es un museo al aire libre así como un parque zoológico situado en la isla de Djurgården en Estocolmo. Se fundó en 1891 por Artur Hazelius con el fin de mostrar el modo de vida en Suecia durante los últimos siglos.

En el siglo XIX, Suecia, como mucho otros países europeos sufren profundos cambios. Su modo de vida muy rural deja paso a una sociedad industrializada, haciendo temer a mucha gente una pérdida de la historia, y de las tradiciones y hábitos nacionales. Artur Hazelius, que antes había fundado el Nordiska museet sobre la isla de Djurgården cerca del centro de Estocolmo, creado entonces el primer museo a aire libre del mundo sobre una colina vecina. Skansen formaba inicialmente parte del Nordiska Museet, pero se independizó en 1963. No obstante, los distintos objetos situados dentro de los edificios de Skansen pertenecen al Nordiska Museet.

Skansen agrupa alrededor de unas 150 construcciones procedentes de toda la Suecia, desmontadas y luego vueltas a montar, parte por parte en su emplazamiento definitivo, dando una visión global sobre la vida en Suecia pasando desde los pobres pueblos granjeros a las ricas residencias de la nobleza.

El museo presenta también una reproducción fidedigna de una pequeña ciudad con los talleres de los artesanos que trabajaban el cuero, la plata ó también el vidrio. En el parque del museo, que se extiende sobre una superficie de 300.000 m², se encuentra un extenso zoológico que muestra un amplio abanico de animales escandinavos así como algunas especies más exóticas.


Una tarjeta postal de Skansen (1900), coloreada a manoDespués de 1903 el lugar central del museo es a principios de diciembre el lugar de un mercado de navidad muy popular, que atrae alrededor de 25.000 personas al día.

Museo Arqueológico Nacional de Atenas

El Museo Arqueológico Nacional de Atenas alberga muchos de los objetos arqueológicos más importantes encontrados en Grecia.
Su construcción empezó en 1866 y finalizó en 1889 con fondos provenientes del gobierno griego, la sociedad arqueológica y la sociedad de mecenas. El plano original del arquitecto Ludwig Lange fue modificado posteriormente por Panages Kalkos, Harmodios Vlachos y Ernst Ziller. El edificio se amplió en 1939 al agregársele un segundo piso.

La más reciente reforma tuvo tomó un año y medio en completarse, período en el cual el mismo permaneció cerrado, reabriendo sus puertas en julio de 2004, coincidiendo con la celebración de los XXVIII Juegos Olímpicos de Verano. La reforma incluyó mejoras técnicas y estéticas en el edificio, reorganización de la colección y reparación de los daños que había producido al edificio el terremoto acaecido en 1999.
Su formidable colección de esculturas, joyas y cerámica abarca desde el Neolítico hasta el período helenístico. Piezas destacadas:

La máscara de oro de Agamenón.
Bronce que representa a un dios (Zeus o Poseidón) en posición de arrojar un rayo o tridente.
Mecanismo de Anticitera

Museo Egipcio de El Cairo

El Museo Egipcio de El Cairo, custodia la mayor colección de objetos de la época faraónica del antiguo Egipto; posee más de 120.000 objetos clasificados. Situado en la plaza Tahrir, fue diseñado, en estilo neoclásico, por el arquitecto francés Marcel Dourgnon, iniciándose las obras en 1897, fue inaugurado en 1902.
En el museo se exhiben objetos de todos los periodos del antiguo Egipto:

Época predinástica y protodinástica:
Las vasijas de piedra y objetos funerarios
Imperio Antiguo:
La estatuaria, pinturas, relieves y objetos mobiliarios
Imperio Nuevo:
El gran tesoro de Tutankamón (Tutankamón)
Estatuas, relieves y objetos del periodo de Amarna y sarcófago de Ajenatón
Equipamiento funerario, joyas, maquetas y otros objetos
Estatuas de reyes y personajes
Periodo Tardío
Estatuas, relieves y objetos funerarios
Época greco-romana:
Estatuas y objetos funerarios
En los jardines del museo, se exhiben esculturas de varias épocas

Museo Ludwig

El museo Ludwig es uno de los más importantes museos de Colonia, en Alemania. Contiene una gran variedad de obras del siglo XX y XXI, desde el Pop Art (la mayor colección fuera de Estados Unidos), al arte abstracto o al surrealismo. Posee igualmente una de las más importantes colecciones de Pablo Picasso de Europa, y en concreto, la mayor de Alemania.
El 5 de Febrero de 1976 el Museo Ludwig fue fundado como resultado de la donación del matrimonio Ludwig en colaboración con la ciudad de Colonia. La pareja donaba 350 obras de arte moderno a cambio de que la ciudad las expusiera en un museo que recibiera su nombre. A ellas se unía una larga colección de obras rusas vanguardiastas, que van desde 1906 a 1930, y un préstamo permanente de su colección de Pablo Picasso, que finalmente ha pasado a ser también propiedad del Museo (en dos generosas donaciones en 1994 y 2001). A lo largo de los años se han unido también importantes obras del expresionismo alemán.

El edificio fue diseñado por los arquitectos Peter Busmann y Godfried Haberer, y fue inaugurado en 1986. Está situado entre la Catedral de Colonia, el río Rin y la estación principal. Alberga tanto al Museo Ludwig como a la Filarmónica.
Su actual director es Kasper König.

Bargello

El palazzo Bargello fue construido en 1255 para albergar al Consistorio de Florencia (Italia). Más tarde, funcionó como prisión (de hecho, hasta 1786 se celebraron ejecuciones en su patio).

Desde 1865 es sede de un museo nacional (Museo Nazionale del Bargello) dedicado principalmente a la escultura. Exhibe los diseños del Sacrificio de Isaac que Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi presentaron a la competencia convocada para la construcción de la segunda puerta del Baptisterio (1401).

Como dato curioso, el patio y la escalera del Honolulu Hale el Centro Cívico de la ciudad estadounidense de Honolulu se diseñaron siguiendo el modelo del Bargello.

Otras obras maestras expuestas en el Bargello son:

Baco, de Miguel Ángel
David, de Donatello
Tabernáculo de San Jorge, de Donatello
Baco, de Jacopo Sansovino
La Arquitectura, de Giambologna.

Museo del Louvre

El Museo del Louvre (en francés: Musée du Louvre) es uno de los museos más importantes del mundo. Está ubicado en París, Francia, en el palacio del Louvre. Sus colecciones son el resultado de un esfuerzo histórico: por un lado, las colecciones reales, por otro, el esfuerzo de los hombres de la Ilustración y la labor desamortizadora de la Revolución francesa.
La creación del museo del Louvre significó, dentro de la historia de los museos, el paso de las colecciones privadas a las públicas, para disfrute del conjunto de la sociedad, constituyéndose en precedente de todos los grandes museos nacionales europeos y norteamericanos.
Con más de ocho millones de visitantes en 2006 es, con gran diferencia, el museo de arte más visitado del mundo.
El museo del Louvre cuenta actualmente con diferentes colecciones de obras de arte provenientes de civilizaciones, culturas y épocas variadas. Contiene alrededor de 300.000 piezas, de las que solo 35.000 están expuestas.
Las colecciones del Louvre provienen de diversos orígenes:

Las colecciones reales. Los monarcas franceses mostraron, ya desde el siglo XIV, afición por adquirir obras de arte, debiendo destacarse la labor de Francisco I y Luis XIV con la adquisición de la colección del banquero Jabach y del cardenal Mazarino; Luis XV adquirió la colección del príncipe de Carignan, y Luis XVI, cuadros de las escuelas flamenca y holandesa.
La revolución francesa significó la obtención de obras de arte para el estado por diversos caminos: la supresión de las órdenes monásticas, la desafectación de las iglesias y el abandono de bienes por la nobleza huida. También, entre 1794 y 1795, llegaron obras requisadas por el ejército revolucionario en Bélgica y Holanda.
Las guerras napoleónicas significaron un notable incremento de las colecciones del Louvre, pues los ejércitos requisaron obras en los distintos países invadidos. No obstante, muchas de estas obras tuvieron que devolverse a sus países de origen. En 1801 la firma del Concordato obligó a devolver a las iglesias obras religiosas.
Durante los siglos XIX y XX, la colección se incrementó mediante donaciones de coleccionistas privados, así como por una política de adquisiciones que se ha centrado especialmente en la escuela francesa. Entre las donaciones, cabe destacar la 1935, del Baron Edmond de Rothschild (1845-1934), con más de 40.000 grabados, casi 3.000 dibujos y 500 libros ilustrados.
El Louvre muestra obras de arte anteriores a 1848; las obras posteriores se muestran en el Museo de Orsay y el arte contemporáneo en el Centro Pompidou.

En el Museo del Louvre se encuentra la más que famosa Gioconda del no menos célebre pintor y escultor Leonardo Da Vinci, así como otras obras del Arte universal como la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia o El escriba sentado, de la V dinastía de Egipto. Aunque estos hechos han provocado tensiones entre los franceses y los italianos, griegos y egipcios ya que los primeros se han "apoderado" de sus obras más importantes.

Aparte de ello también podemos encontrar en él bastantes obras de autores muy conocidos como pueden ser Jacques-Louis David, Fragonard, Rembrandt, Rubens, Tiziano, Poussin, incluso españoles como Goya o Zurbarán.
Además de obras de arte, el Louvre tiene una amplia colección de muebles, siendo el objeto más espectacular de esta colección el Bureau du Roi del siglo XVIII, hoy devuelto al Palacio de Versalles.

El Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania. Después a Francia, Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Postromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Romanticismo Musical.
Comenzó en Alemania, partiendo de Beethoven y siendo seguido por Carl Maria von Weber en 1786 y Félix Mendelssohn. Es un estilo musical imaginativo y novelesco. Este movimiento afectó a todas las artes y se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania.

La estética del romanticismo se basa en el sentimiento y la emoción. En el romanticismo se piensa que la música pinta los sentimientos de una manera sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.

El estilo romántico es el que desarrolla la música de programa y el cromatismo de una forma predominante. Se da a lo largo de todo el siglo XIX, aunque al principio del siglo XX se entra en el impresionismo.

De forma diferente a la Ilustración dieciochesca, que había destacado en los géneros didácticos, el Romanticismo sobresalió sobre todo en los géneros lírico y dramático; en este se crearon géneros nuevos como el melólogo o el drama romántico que mezcla prosa y verso y no respeta las unidades aristotélicas. Incluso el género didáctico pareció renovarse con la aparición del cuadro o artículo de costumbres. La atención al yo hace que empiecen a ponerse de moda las autobiografías, como las Memorias de ultratumba de François René de Chateaubriand. También surgió el género de la novela histórica y la novela gótica o de terror, así como la leyenda, y se prestó atención a géneros medievales como la balada y el romance. Empiezan a escribirse novelas de aventuras y folletines o novelas por entregas.

Neoclasicismo

El término neoclasicismo surgió en el siglo XIX para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

La arquitectura puede ser interpretada como una rama de las artes social y moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.
También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.

Rococó

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.

Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

Defición del Arte Rococó

El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.

Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Características del Rococó

En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.

En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.
Pintura Rococó

En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.

Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.
Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

Escultura Rococó

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.

Barroco

El Barroco, además de un periodo de la historia del arte, fue un movimiento cultural que se extendió en la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música desde 1600 hasta 1750 aproximadamente.

El estilo barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio D'Ors.
El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países.

El dolor psicológico del hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vacío cultural que solía guardar.

La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. El barroco se da también en otras artes, como Música, Literatura, Pintura y Escultura. El interés que sustenta la arquitectura es el de hacer marketing y urbanizar. Juega un papel muy importante, un ejemplo de ello, sin irnos más lejos, la plaza Mayor de Madrid. Sigue una armonía y su monumentalidad crea un ambiente propicio de una ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos. Hace falta aclarar que el paradigma de este estilo se haya en la megalomanía de Luis XIV, con las reconstrucciones de Versalles. Los materiales propicios de construcción en la arquitectura barroca son los materiales pobres sin ningún valor aun así viendo la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de "qualité" como el vidrio de carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros. Los elementos constructivos no presentan ninguna novedad, ya que siguen los órdenes clásicos del Renacimiento; la diferencia es que en el Barroco se contraponen elementos arquitectónicos utilizándolos con cierta libertad e individualidad. No se pierde la armonía sino la perspectiva renacentista, que abarca el espacio del espectador. El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. De hecho, al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica de San Pedro aparecen las inesperadas columnatas que rodean el perímetro de la Plaza. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.
Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

La música barroca es el estilo musical relacionado con una época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1685) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

El Renacimiento

Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.

El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.

El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.

Sin embargo, Vasari, había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».

Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su colocación cronológica se ha discutido muchísimo; generalmente con el término Humanismo se indica el proceso innovador, inspirado en la antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del Hombre en la organización de la realidad histórica y natural, que se aplicó en los siglos XIV y XV.

El Arte Bizantino

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI fuertemente enraizada en el mundo helenístico como continuador del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos se consideró como el conservador natural en los países del Mediterráneo oriental del Imperio Romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política.

Este Imperio se originará en 395 cuando Teodosio dividió entre sus dos hijos, Arcadio y Honorio, el Imperio Romano. Dejando a Arcadio el Imperio de oriente. Este hecho va a dar origen al que será el Imperio Bizantino, que tiene ya como capital Constantinopla, cuidad fundada por el emperador Constantino. Debido a su privilegeada situación y a la caída del Imperio Romano de occidente en poder de los bárbaros, pronto será la capital cultural por excelencia en el mundo occidental. Así nace el arte bizantino como confluencia de los estilos griegos, helenísticos, romanos y orientales.

[[Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política. ]] Desde comienzos del siglo V se va creando un lenguaje formal artístico propio y diferenciado del que se mantiene en el Imperio de Occidente. Más tarde, en la época de Justiniano I (527-565) se inicia la primera etapa específicamente bizantina: es la Primera Edad de Oro que comprende los siglos VI y VII, es la etapa de formación del arte bizantino en sus aspectos formales básicos.

Después del período de la lucha de los iconoclastas, aunque pobre en monumentos, comienza, en torno al año 850, el arte bizantino medio o Segunda Edad de Oro que perdura hasta el año 1204, cuando Constantinopla es conquistada por los cruzados; en esta época esencialmente se consolidan los aspectos formales y espirituales del arte bizantino; es la verdadera etapa creadora y definidora de la estética bizantina.

Después del dominio latino, con la dinastía de los Paleólogos, se da paso a la Tercera Edad de Oro que se centra en el siglo XIV y que finaliza con la toma de Constantinopla en el año 1453. Después, el arte bizantino florece en los países eslavos, Rusia y sureste de Europa, transmitiéndose hasta nuestros días a través del Monte Athos.

El Arte Gótico

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.